Deep Dive
Shownotes Transcript
Sawa 她本身生育并且养育这六个孩子是她自己非常坚定的一个信念在我看来她真的是一个对未来的孕育者就是她希望把这些种子播撒出去
对于克尔克来说就是他选择疗愈其实一方面是在疗愈世界上的人然后一方面也是在疗愈他自己他说我一直认为能够将我的艺术作品奉献给别人让他们表达自己是一件很棒的事情
Agnes Martin 就会回答说从音乐中人们能感受到纯粹的情感但是在艺术中人们需要获得解释她的画作就是最纯粹的情感 Odendo 创作这些陶器本身的形态它也借鉴了人体的形状我觉得都让它产出每一件作品的过程像一个母亲在孕育生命的这个过程
大家好,欢迎收听 Bubble Wrap 泡泡纸,我是兰。我是佳怡,我们是在伦敦和洛杉矶学习、生活、工作的艺术策展人。在这档节目中,我们分享艺术与生活中被泡泡纸保护的珍贵时刻,和带给我们捏爆泡泡纸一样感觉的解压瞬间。这一期的主题是《泡泡纸保护的珍贵时刻》。
这一期播客是一期母亲节特辑我们希望能在临近的 5 月第二个星期日也就是 5 月 10 号与大家一起庆祝生命中那些伟大的母亲们那些围绕我们身边以及艺术中的女性力量今天的节目并非聚焦母亲这个角色本身而是一种母性气质
它并不局限于性别所带来的女性气质而是一种生命力的温柔状态一种抱持滋养与世界柔性共处的方式
本期节目我们要特别感谢家居服品牌 Core Orbit 的支持在他们即将发布的短片视频 The Shape of Holding 中 Core Orbit 将母性具象为承载、包容、温柔的形状具象化为双手、陶器和珍珠母辈包裹、孕育、耐心、时间的结合体
在女性的身体与自然之间,在曲线中,在承接与拖住的动作之中,象征着女性天然的接纳与孕育能力。Co-Orbit 意为心与轨迹,这个品牌诞生于一对母女对宁静生活的共同追求。
品牌从自然历史与日常中汲取灵感,它的骑驶系列源自对远古生活节奏的回望,那是一个人们仰望星辰顺应自然的时代,春生夏长秋收冬藏,星空曾为古人指引日常的节奏。
也蕴藏着最原初的哲思与诗意 Co-Orbit 希望将这份简单和专注自然地融入日常成为我们与生活之间更温柔的连接他们希望做出让身体放松心灵安定的衣物让人从穿上那一刻起就能进入被温柔包裹的状态
在与 Corebe 团队的交流中我们收获了许多珍贵的灵感藉由这期播客我们也希望带大家一同走进四位充满母性气质的女性艺术家们去聆听她们的创作故事感受她们作品中温柔而坚韧的力量
在本期节目发布后,国威北也将给三位我们的听友送出新品家居服联谊群,具体的参与方式将在本期节目最后公布,请大家一定要听到最后哦。
那么第一位我们要讲到的艺术家呢,其实很巧的是我上周去旧金山出差,刚刚去看了他在旧金山 SF FOMA 的大型巡回回顾展。这位艺术家的名字叫 Ruth Asawa,然后他是一位日裔美国艺术家,他出生于 1926 年。
如果大家在陆山鸡会知道就是 Orange County Irvine 那个附近然后去世于 2013 年具有代表性的作品是用铜丝编织的悬挂式的雕塑装置外表看上去是非常柔软的像那种鱼网一样编织出来的连绵不断的形态
有一个非常显著的特点就是因为它是用这种丝来编织的这种形状然后又都是这种灰色黑色所以其实它本身的样子和它在光底下投到墙上的影
长得是一模一样的,在我看来是一个非常非常温柔的这么一个装置。其实先可以讲一讲这个装置本身,就 Ruth Sawa 在做这些装置的时候,她其实是去学习了一种墨西哥传统的编织方法。
就是如何用这种坚硬的材料然后编出这种连绵不断的形态让它在看似柔软的同时又实际上不会在移动的过程中产生形变大家可以看到在 show notes 里面的图这个每一个悬挂的雕塑看起来都像假设你把它放在地上它就会变成一摊的样子原来它不是吗对 其实不是
实际上它是一个非常坚固的状态,因为它完全是就是有一点点坚硬的那种铜丝来编织的,就虽然它有弯折度,但是实际上只要你不用力去压弹,它的形状不太会发生太大的形变。
好神奇啊我可太羡慕你了因为我超级喜欢 Ruth Asawa 然后刚刚你说到影子就是我第一次看她作品的时候也是这个感受因为我觉得她们就像是小精灵一样透透的那种像水母一样的形态我以为她们掉到地上就是软的你知道吗是
是就是一开始会有这个感觉但是随着我看这个展览更多的介绍我意识到就它整个的创作的过程在我看来是那种有一点挑战了传统的大家觉得编织是一个什么样的这种精神属性的感觉因为
编织很多时候给人的感觉是很柔软的,很温顺的这种感觉,但是 Asawa 首先在他选择材料的时候,他会选择一些很坚硬的材料,然后在他编织的时候,他还是用很柔软的这种心态,包括很柔软的这种技法去做这个编织,但他编织出来的作品又呈现出了一个很有灵魂和很有风骨的这么一个样子。
那么其实要讲到 Asawa,为什么今天要讲 Asawa,一方面是因为确实感觉他在创作这些编织的悬挂雕塑的这个过程当中,体现出了一种柔性和刚性,有一种刚柔并济的感觉。
然后另外一方面就是 Sawa 其实在她整个的艺术生涯中母亲或者母性角色的这些属性其实是很大程度上的影响了她整个的艺术生涯的 Sawa 其实她
1926 年出生在 1949 年的时候他就已经在 SFMOMA 在展览当中有过展出也就是说他其实在二十几岁不到三十岁的时候就已经是一个比较小有成就的艺术家了吧 1949 年他搬到旧金山然后和他的丈夫开始在旧金山生活随机就投入了几乎是百分之百的投入了家庭生活当中
那其实在 1957 年的时候这次展览当中也展出了一个档案就是 1957 年的时候 Asawa 填了一份艺术家的调查问卷然后在调查问卷当中有一个问题是说你是不是一个职业的艺术家或者说你有没有在用你的艺术来赚钱
他的回答是说没有我的职业只是一个家庭主妇但是下面又有一个问题说你的艺术曾经在哪里被展出过然后他下面就列举了 SF MoMAWinnie 纽约的 MoMA 都是这种非常非常厉害的美术馆然后包括最后一个问题说你曾经被哪些媒体报道过然后他就说 Vogue
然后 Times,就时代周刊,Art News,这都是非常非常厉害的艺术媒体,所以就其实当时我刚刚看到这个调查问卷的时候,我是有一点觉得那是不是就是有点可惜,因为就是你门银是一个有这么大 potential,这么大潜能的艺术家,但是你选择去做全职的家庭主,
然后甚至后面我也了解到说她在 1950 年代到 1960 年这十年间也就是她 25 岁到 35 岁的这个期间和她的丈夫一共养育了六个孩子这真的是一个工作了对就刚听到这个的时候我就觉得一方面是觉得啊怎么会做出这样的决定然后也觉得是不是会觉得有点可惜
但是我觉得就是说我们确实不能随便的就能够了解到他为什么会选择这么大规模的投入家庭生活然后他为什么会选择养育六个孩子除了我们知道 Sawa 自己本身也是出生在一个这样很多孩子的日本家庭当中而日本文化对于整个家庭的观念又是比较看重的所以这可能对他的家庭观念有一定的影响但是
通过各种各样的报道我们可以看到的是 Sawa 她本身生育并且养育这六个孩子是她自己非常坚定的一个信念甚至她的很多朋友也是女性艺术家会劝她说你不要生这么多孩子然后要把你更多的时间投入到艺术创作当中但她都坚定地说
他就是想要把他的生活和家庭变成他生命中非常重要的一个部分所以我觉得对于我们来说这也许是非常难以想象的但是对于 Asawa 来说他其实从此就把自己的艺术创作和他的家庭生活非常紧密地联系在了一起
为此他也推掉了很多就是在旧金山以外的不管是驻地计划还是展览的机会,全心全意地投入到了他在旧金山的这个生活当中。
其实他就是在生了孩子之后我觉得在这次展览当中也能看到很多的他留下来的艺术作品包括很多照片都是他和他的孩子在一起进行艺术创作就比如说我特别喜欢这个展览当中有一张照片就是他的工作室就在他们自己的家里然后就从天到地挂了很多很多他编织的这种雕塑他一边在编织
然后他的孩子们要么就在边上图图画画,然后大一点的孩子可能还能帮他做一点什么,小一点的孩子就在地上吃奶也好,或者是在地上爬来爬去也好,就是一个非常非常典型的生活场景在我看来。
是的,这真的太有爱了,而且我想到刚刚那个问卷,我其实就可能带入一下那个时代的女性的近况吧,可能她们也没有把艺术家当作一个真正的工作,在一个男性主导的这个艺术史的运动的语境当中来看。
而且我觉得令我就是很触动的一点就是他知道自己的重心是家庭和孩子但是艺术对他来说就变得会更纯粹一点更像自我的表达就是是一个他会用其他的时间去探索的一件事情
对我觉得他一方面是就他真的把家里照顾得很好因为他的丈夫是一名建筑师然后他们后来就从旧金山的城里搬到了旧金山更北的一个山谷里面然后自己建了一个房子然后他们两个就把整个的房子打理得非常非常好比如说家里有一个花园然后花园里面种了各种各样食粒的蔬菜包括
包括像家里的客厅工作室然后甚至大门都是他们为了比如说丈夫的工作包括 Asawa 的艺术创作专门定制打造的尤其是这扇大门这次也在旧金山 MOMA 的这个回顾展中展出了
阿萨瓦带着他的孩子们一起用石墓雕刻出来的两扇门板还有一个非常有爱的回忆就是阿萨瓦的孙女或者外孙女然后回忆她和她外婆的相处就是她会记得到外婆家去然后他们典型的活动就是比如说早上会去菜园里面摘菜和水果然后呢摘回来的菜和水果他们不会直接把它处理掉而是会比如说
先让大家用每个人的方式把它记录下来你可以拍照片你可以画画然后你可以做一个小雕塑然后大家一起投入到这个非常有趣的艺术创作的过程当中尽情地去观察和近距离地接触这些你即将吃到的食物然后大家再一起把它做成美味的一餐然后再一起吃掉我觉得整个就是看到了萨瓦的生活状态其实有挑战到我对于
母亲角色的一个认识就是我总觉得全职的母亲或者家庭主妇她要牺牲掉一些什么然后再来成全一些她对于家庭的这种想法但是我觉得在 Asawa 这里可能她更多的是把她自己的艺术愿景更多的也结合到了她所向往的家庭生活和接下来我们也会讲到她所向往的这种公共教育的事业等等
是,我觉得他并没有因为家庭生活而去 compromise 或者说去妥协他的艺术创作反而他是以一个非常开放的心态而且也真心觉得艺术是美好的所以把它带入到了孩子的教育当中这就是很像现在很多艺术作品里面会提到 play 这个概念
玩它的重要性所以我觉得阿萨瓦在当时能够去跟孩子去共同创作一件作品其实是一个很先锋的理念放在当下的语境来看的话
但是其实就我们之后在回顾她的 archive 她的档案才有发现到这一些细节就感觉其实很多女性艺术家已经在冥冥中做了很多先锋前卫的实验但是因为可能自己作为母亲或者作为一个全职家庭主妇的职责并没有在真正的那种被外界啊被一些主流的艺术声音和
观众看到的地方就是他们在自己的家里面生根发芽对的所以 Asawa 其实就是 1950 年到 60 年代这个十年之间他就完全全心地投入了他自己的家庭生活但是随着他的孩子们也在慢慢长大包括他养育这些孩子然后教育这些孩子他意识到就是像蓝刚刚提到的
在生活当中这种玩艺术的重要性甚至对他们所产生的教育意义的影响然后他也希望这些艺术教育能够普及给更多的孩子所以在他的孩子们稍微大了一点之后他就开始开发一个公共教育的项目也是从旧金山的一所小学开始然后他从教孩子们开始比如说折纸啊
种花呀这些看起来非常日常的动作开始做起用这种方式来把艺术的思维我觉得是融入到了这些孩子们生活的方方面面去因为这些课确实很好玩然后也非常非常受欢迎对孩子们的影响也是非常积极的
所以其实到 1975 年的时候这个项目就已经扩展到了旧金山附近的 40 多所学校然后它还有一个非常有趣的点就是 Asawa 所认定的艺术不一定要用非常高大上的材料尤其是当他在做公共教育的时候他希望能够用一些随手可得的材料来完成艺术的创作
所以他就开始用一种,他叫 baker's clay,其实就是用面粉盐和水混合成像我们平常烘焙面包或者做饼用的那种面团。他一开始是先在他自己的家里,就是把这些面团和好了,然后给他的孩子,包括给他的朋友,给朋友的孩子,然后当他们来做客的时候,能够打发时间让大家一起玩。
然后随后他就意识到说这些其实是每个人都能随手可得的材料,所以非常适合用到大型的创作当中,所以他后面在旧金山的联合广场做了一个非常非常大型的公共雕塑。
是反映了整个的相当于整个旧金山的历史然后社会的各个方面的由 41 块这个 Baker's Clay 的这个面团雕塑模板由各个行业的不同的人一起完成然后最终再合成用金属铸造而成
然后在这个过程中也在 show notes 里面给大家放一张照片就是 Asawa 的各种各样的家人都投入了这个创作比如说你会看到他的妈妈也在捏这个面团然后比如说在搭的时候他的儿子也会帮他把这些每个板块把它搭在一起
所以我感觉就是 Osawa 从前期的作品是他自己在探索就是说如何把一个材料然后经过不同的形变然后产生各种各样的效果后面他的艺术创作就更多的变成了一个教育者
在我看来他真的是一个就是对未来的孕育者就是他希望把这些种子播撒出去其实现在在旧金山包括在世界各地你都能够听到阿萨瓦的故事然后看到他所做的这些留下来的东西然后你就会想到说他
他给下一代包括未来的这些艺术教育和艺术的思想留下了一些非常非常珍贵的东西。我真的觉得母亲在孕育和教育孩子成长的过程中其实是一个非常有创造力的角色。
而且我感觉其实很多女性是到成为母亲之后才意识到这一点或者说是她们无意识地发掘了这一点然后她们自己也并不知道自己有创造力但我回看我的童年就刚刚你这么讲的时候我就突然想起来我小的时候特别喜欢玩吃的玩食物对然后我妈妈也是就是
包饺子的时候包完饺子留下面团就会让我去玩然后会跟我一起玩会捏成小动物小兔子的形状啊什么的就我感觉一方面可能这样子的家庭生活也会激发到母亲她的那种对生活的创造力但同时这也是源自她们那种
然后呢也让 Rusasawa 就是通过这个艺术找到了这样与生活融合的方式然后呢
然后我也同时想到我们在与 Co-opit 两位创始人聊天的时候他们有提到他们有一个系列是因为创始人观察他自己在家中与父亲母亲和自己的生活方式然后根据他们的身体定制的那一系列的家具服
就是它是符合他们的生活习惯和身体的形态的就我觉得有的时候艺术和生活其实并不是那么割裂的事情就是他们是杂融在一起互相影响互相发展的
是接下来我要讲到的艺术家他其实也是一位疗愈者但是呢他并没有像 Ruth Asawa 一样跟自己后面组建的家庭和解他最后其实是选择就是为了艺术放弃了家庭但是他的生平我们之后再讲我先跟大家讲一下为什么选择了这位艺术家他叫 Ledger Clark
我第一次认识到它是因为它的一系列比较有名的雕塑叫做 BeachlesBeachles 这件作品是它在 1960 年开始做的它是比较早的那种动态雕塑然后 Beachles 其实是葡萄牙语它的意思是小动物的意思
那这一系列的雕塑它是用铝片制成的然后 Clark 会把它切成三角形正方形和半球形然后通过融化那个 steel 融化那个钢然后焊接那一些铝片
它焊接的一个技法是可以让它变成可转动的结构的所以说它整个雕塑我们也都放图片在 show notes 大家可以去看一下就它整个雕塑其实是可以最后折起来变成一打正方块的就是它像折纸一样
然后我就在网上看到过一个视频是一位策展人手里就拿着这个 bitros 他就把它打开然后可以组成组合成任何一种形状然后折叠就它就像富有了生命一样就虽然现在在美术馆里摆出来的
雕塑大多都是不可触碰不可互动的但是 Clark 他一开始创造这件作品的目的其实就是想让观众去跟他有互动观众可以打开折叠像折纸一样塑造这些铝片我第一次看到这件雕塑的时候我就非常喜欢因为我觉得他在他的那个年代是非常前卫的并且我觉得他就是
转变了雕塑是一个静态的这种三维的一个形态的这个概念很喜欢这种有互动性的作品然后他后面也曾经把这些作品带进了精神治疗所就用于帮助患者找回感受不过他在做这些雕塑之前他其实尝试了绘画尝试了很久
他是于 1920 年出生于巴西的一个小镇上然后他的家庭其实是比较富裕的但是他的父亲其实是一个非常暴力的角色而且他家庭的种种传统教养就是他的宪制
让 Clark 感到压抑,他其实童年的时候就感觉会有一些就是精神上的疾病,他是之后去跟心理治疗师聊天的时候,他就有回忆到他很多痛苦的童年记忆。
而且他结婚结得也非常早他是 1938 年他 18 岁的时候就有一个 civil engineer 一个土木工程师结婚了然后他们就一起搬到了里约热内卢从 18 岁到 25 岁这 7 年他就已经孕育了三个孩子就是跟 Ruth Asawa 的母亲的经历有点像
我觉得这是那个年代的女性会共同拥有的一段经历吧但是呢有了家庭之后也并没有让她去放弃她对于很多自己职业和热爱上的追求所以她生完孩子之后 1947 年的时候去找到了巴西的当时现代主义的很有影响力的设计师跟随他们学景观设计和建筑设计
也因此就是了解到了很多艺术家并决定在 1950 年的时候与孩子们移居巴黎然后在巴黎学习油画他在 1953 年的时候回到里约热内卢然后并且我在看他生平的时候我发现他在 1953 年的同年也离婚了我感觉应该是来自家庭和丈夫那边的压力因为他在回到里约热内卢之后就决定要从事油画的这个事业他决定要当一位艺术家
然后我一开始还对他有点晚期但是后面读到一篇采访我就觉得真不愧是我喜欢的艺术家就是他真的对自己的事业和热爱的追求让他也有很聪明很狼性的一面他的儿子爱德华多有提到过他母亲的故事然后他是这么说的
果然是为艺术献身的艺术家对 是的
我觉得卖的好真的然后我就之前看到过一张她的照片她真的是一位非常美丽然后又温柔又很有气质但是又很有力量的女性就她整个穿着非常的 chic 然后就很有法国女生的感觉面带微笑的同时然后你就可能看到她右手夹着一根烟就是很有那种女性 power 的感觉
我觉得我们就一开始也有提到过,就是说关于母性气质和母亲角色,我们想做一个区分,但我觉得就是已经连着讲到两个,就他们又是母亲,然后又在做这种各种各样的可能和母亲角色相关或不相关的这种艺术创作。
但我觉得对于克尔克来说就是他选择疗愈选择用艺术然后做这种互动的装置也好然后做画也好
其实一方面是在疗愈世界上的人然后一方面也是在疗愈他自己以这个推己及人的这个过程今年我意识到大家很多人都在流行讲说这种地母性的这种形象也好或者地母性的这种气质也好
其实在我看来就是这种气质它就是一种很包容的气质充满了当下感和这种包容性然后治愈性的这种气质我觉得在 Clock 的作品里面就非常非常的明显
对就是那种能包容一切的态度吧就是和生命里所发生在他身上的一切然后 Clark 就是开始了他的这个艺术生涯之后他是受到了很多当时的那种 The Style 就是 Pierre Mondrian 蒙德里安所创办的那个荷兰的风格派运动就是大家经常看到的那个经典的红蓝黄画作
就是它受到很多的 style 的这个运动的影响所以它一开始也是对于这个平面二维和线条几何图形做了很多的尝试然后它在 1990
1959 年的时候在巴西新具体主义运动活跃的几位艺术家一起签署了一份宣言然后他们在那个宣言里面就希望强调艺术作品在时空中如何被体验而不是仅仅停留在一个二维因为其实他们也觉得就是当时这个二维绘画和蒙德利安所引导的这个《The Style》
它遇到了一些局限性然后 Liger Clark 他想开始拓宽绘画的边界对于他来说画框的那一条线他把它定义为 organic line 它是有机的线条它是可以流动的但是大家要在概念上去想象一个就是画布的画框它是可以流动的它是可以没有边界的
然后整个画布它所表达的平面它并不是一个平面它是一个场域所以就是理解了 Ledger Clock 这个理念再去看它的作品其实都 make sense 就可以把它所有作品当作是一个连续的整体
时空中的碎片的一样的感觉然后你再去想象他的这一些平面几何的画作再看他的 Bitros 雕塑就会发现其实 Bitros 就像是一个他二维作品活过来的生物一样他是 1960 年开始创作这个三维雕塑的然后 Clarke 是这么说的
它坠落像一个生物一个身体一个有机体一样从墙上坠落到地板上就是那种它的画降生了的感觉然后我一看到这句话的时候我就觉得哇它所有作品都活过来了的感觉还蛮神奇的
而且我觉得他的这个想法真的也特别有孕育生命的这个感觉就他的每一个作品都像他的孩子一样但是他又不去局限他又要赋予他所有可以有的可能性
然后这就是他对于他作品的一个态度他不去定义它然后呢他想要也让观众去感受它去体验它然后 1966 年的时候他其实经历了一场车祸然后在那个车祸中折断了手腕
然后他也开始思考就是我们对身体的怀旧和我们对于曾经拥有的完整的身体的记忆然后他就也开始去做一些比较 interactive 比较有互动性的算是 performance art 但是他其实更多的是做一个
object as medium 就物体作为一个媒介就比如说他会把他当时一生放在他那个手腕伤口里的一种像创口帖一样的塑料薄膜取出来然后里面注入空气然后在上面放一个石头他的手会不断挤压那个气袋然后呢他会跟着那个石头一起呼吸这其实是他的第一个 sensorial object 就他开始做这个感官物体有关的作品
然后他当时其实是想要放弃所谓的这个传统概念上的 art 就是艺术然后开始创作 non-art 非艺术就其实我感觉我们现在讲很多艺术史上的这些开创者大多都是男性但是 Ligia Clark 当时在巴西做了这么多非常实验性的就是同时期的这种体验我觉得他也是可以说是 20 世纪下半叶
活跃于西半球最重要的艺术家之一了然后他 1970 年到 1980 年初回到了里约热内卢然后结束了自己的创作生涯回归了生活然后作为一名治疗师和疗愈师建立了诊所他又开始做一些跟 art therapy 有关的事情
然后他做 art therapy 的整个过程呢其实也是延展了他之前的艺术实践他是想要去让艺术作为一个媒介艺术作品不是作为最终的结果而存在而是一个帮助人们打开更多体验的一种过渡性的媒介像一个通道一样带我们探索那些就我们可能遗忘的或不太能够感受到的情感
然后这就是他想打开的世界然后他说我一直认为能够将我的艺术作品奉献给别人让他们表达自己是一件很棒的事情这是
这是一件很棒的事情真的是一件很棒的事情从母亲到疗愈者这就是 Lijah Clark 的故事我觉得很有意思的一点就是我在想说这些充满母亲气质的艺术创作者他们的作品为什么能被我们一眼看到然后挑出来觉得他们很有母亲气质除了他们作为一个母亲本身之外我觉得还有一个就是
他们的艺术表达不仅仅是一个艺术表达更是一种方式就是更是一种介入生活和让世界变得更好的一种方法一种手段那下面一个艺术家跟前面两个就很不一样我们要讲到的是 Agnis Martin
她和前面两位艺术家非常显著的一个不一样的一点就是她一生都没有成为一位母亲但是为什么这次我们选择要讲到 Agnis Martin 也是因为她整个的创作方式
包括我已经不记得我第一次听到 Agnis Martin 这个艺术家的名字是在哪里了,但是我就一直觉得不管是看她的画也好,还是听她的故事也好,还是看她的人也好,就是一种那种老奶奶的感觉。
就有一种就是很强的这种安安静静的这种亲切感我觉得他跟 Grandma Moses 都给我一种这样子的感觉对 是的那 Agnes Martin 呢她是 1912 年出生在加拿大的 Saskatchewan 然后 1932 年的时候她从加拿大移居到美国的新墨西哥州她一边当艺术家其实她也想当艺术老师
1957 年他从新墨西哥州搬到纽约开始进行全职的艺术创作那他其实在这个时期就开始发展出了他非常有代表性的一种创作的格式就是他用 6 英尺的方形画布
然后在这个方形画布上画出非常规整的虽然是用手画的但是看上去整体给人感觉非常规整的网格包括用石膏封层然后用一些相对来讲没有那么饱和度高的颜色然后给整体的画面造成了一种就是非常安静温柔的这种感觉
但是他后面在 1970 年代的时候因为生活当中的种种变故然后包括好朋友的离世包括他其实刚刚成年的时候就被诊断出了精神分裂症然后他就又回到了新墨西哥州回到了就是和自然相处然后继续创作的这个状态那他的创作过程呢其实是就是充满了
和自然和自己相处的这么一个有一点点我觉得是有一点点挣扎的这么一个过程因为他的这个精神上的问题所以他会听到很多很多的声音然后这些很多的声音都会影响到他生活的方方面面但是
他通过艺术创作去找寻的是他心底对他来讲最真实然后最本质的这么一个图像,然后这些图像可能有的时候来源于他在户外看到的东西,有的时候他就是自己一个人静静的在他的甚至要达到一种有点像冥想的状态。
嗯
提到他幻听我之前不知道不过我觉得这就很 make sense 因为他之前他的画刚被带入到艺术市场和整个艺术世界的时候是有很多很多的质疑的然后很多人会问这些是画吗然后 Agnes Martin 就会回答说从音乐中人们能感受到纯粹的情感但是在艺术中人们需要获得解释
人们需要艺术的解释,但音乐中,只有一种纯粹的感情。
我觉得这说的很值得让我思考,就是,because we ask for explanation in most cases,然后他说他的画作就是最纯粹的情感,然后我也觉得这就是为什么我那么爱 Agnes Martin 的一点,就我第一次看到他作品是在 Tay Modern,然后大大的抢就是似乎 Agnes Martin 的这个,
非常安静简单纯粹的线条和色块然后我觉得我在她面前其实感受到的是一种平静就没有像 Rothko 那么的纠结的情绪吧就因为我觉得她的作品更多的还是跟 Joy 她在生活里面感受到那种愉悦感
快乐那种幸福是有更多关系的是对我觉得就是也和他可能我这次准备这期播客然后更多的去了解了 Agnis Martin 的生平我就更越来越喜欢他的作品
因为我有了解到说她在童年的时候其实她的家庭也并不是那么的幸福和和谐然后她会觉得她受到了很多来自母亲的情绪暴力因为她对她要求非常非常严格甚至达到了就是苛刻的程度一方面 Agnes Martin 也说就是这个经历造成了
他可能有一些创伤但是另外一方面就是造成了他对纪律性和就是自律有非常大的这种要求和非常强大的自律性然后也让他能够去和长时间的和自己然后和孤独去共处和和解
然后我就意识到我每次看到他的作品的时候就像你说的他的作品其实是有很多的情感和很多的力量的但是你看到的时候你又会觉得非常非常的平静我觉得就是这个对比非常的恰当看到 Rothko 的时候你就会觉得非常澎湃就因为他有很多的情感这个是很值得的
你看着他的画你就觉得整个人都沸腾起来哦 是的是你看到 Agnes Martin 的画的时候你就会觉得整个人就是也有很多情绪但是这些情绪就是好像完完全全地把自己交付出去了而不是说你要在这种汹涌的情绪里去拿到一个掌控权而是把所有的情绪就是交付给你所相处的这个世界但是在
这个过程当中我意识到就是有一个很有趣的情绪反应就是当你把自己完全地交付给这个世界然后通过 Agnis Martin 她的话来 process 这件事情通过她的这些网格通过她给你创造这种纪律性来 process 这件事情的时候其实你不觉得你把情绪交出去是一个相当脆弱和飘摇的行为反而它就有一种
很踏实然后反而很有刚性的这么一种感觉就是有一种你可以继续往前走的力量对就感觉我在他的面前像是能被他的话接住的感觉对像一张网对而且我觉得他的话为什么能够带来这种力量感和包容感也是因为他的创作过程是一个非常
避世的过程就是 Agnes Martin 她 1967 年搬到了美国新墨西哥州之后其实停止画画了整整七年然后她在那里其实过着避世的生活独生生活了三十年嘛然后她停止七年绘画之后再重新开始绘画然后之后的二十年每一天她都在画画而且她每一天画画的时候她都会问自己要画什么
但是他没有任何想法因为他就是一个人在房子里面对一个布在画画
他没有任何想法就是他的大脑是空白的他说他会坐在一个摇椅上一直坐一直坐直到他感受到了一个灵感然后他就会把一个非常非常小他脑海里出现的一个图像可能只有邮票大小的一个图像画在他的 notebook 上笔记本上所以他笔记本上全部都是一个小小小小的 Agnes Martin 的
然后他就会算数把它等比例放大放大到很大的 canvas 上他想要就是 reach the pure abstraction 他想要达到就是极致的那种抽象然后他一直尝试尝试了很久才达到他想要达到的效果
然后他说了一句话我觉得就是真的就是为什么我在 Roscoe 面前跟在他画面前感受到情绪不一样是因为他说线条是最天真无邪的 The line is the most innocent
然后他在画线的过程中我觉得也是一种对自己 innocent 的过程线可以接触他一切的情绪然后他也有说我们有非常多抽象的情绪但我们平常不注意他们我觉得我们大多数的时候都是在生活一个生活在一个去反应外界世界的过程中而不是一个对自己身体里的情绪做反应的一个过程中
我觉得当你安静下来坐在他画面前你就会突然感受到其实有很多很抽象的
东西是无法用语言形容的真的是无法用语言形容的然后我想要分享个很可爱的故事是我在听他的 Art dealerArne Glimcher 讲他们之前的回忆的时候提到的就是他说他带着他的孙女跟 Agnes Martin 在他的公寓里面然后 Glimcher 的孙女就看到桌上花瓶里有一朵玫瑰然后他就说
Agnes Martin 就问小女孩,你觉得玫瑰美吗?小女孩说很美。Martin 就把玫瑰藏到了身后,又问她,那现在玫瑰还美吗?小女孩说,玫瑰还很美。然后 Agnes Martin 就说,You see, the beauty is not in the rose, the beauty is in your mind.美不在于玫瑰,美在你的心中。
我觉得这就是她一直给我的形象就是这样子的形象然后我觉得她这一整一个生命整个系列的作品其实也是在一个可能从她童年的这个不好的经历吧重新孕育自己的过程我觉得孕育自己也是女性她的一个母性气质的温柔
是的真的是这样感觉又被治愈了讲他就感觉自己有被治愈到真的那么接下来我们要讲到今天的最后一位艺术家就是 Magdalene Odondo 然后她是一位做陶瓷的艺术家 1950 年出生于肯尼亚比前面我们讲的三位艺术家要稍稍年轻一些
然后他在 21 岁的时候就从肯尼亚移民到了伦敦但是在 1974 年 1975 年的时候他又从英国返回到了非洲在尼日利亚和肯尼亚重新学习了一种非常古老的制作陶器然后用手工制作陶器而不用拉胚机
去做这种陶罐的这种过程,然后也学习了一种传统的,据说有百年历史的这种低温烧制的技术,然后也受到了就是新墨西哥影响,然后就相当于是去,我觉得开创了吧,他自己非常有代表性,很独特的这种艺术形式。
来自于 Odeno 的陶罐都是用泥条然后盘住而成的就会它会用一点一点的泥然后把它一点点的搭起来而不是用我们现在很常能看到的那种 wheel 然后转然后拉胚让它长起来那种很快的方式
但是你看到它的陶器你又会意识到它的表面非常的光滑它需要经过不断的抛光和打磨然后每一件作品都需要很多很多周甚至很多很多月然后来反复的去构建然后包括它烧制的这个过程也是它用一种低温厌氧的烧制方法
所以它有的时候需要反反复复的烧很多很多次然后让这个陶器的表面呈现出一种非常鲜艳的橘色和黑色相互交错的这种自然的色彩而不是通过在某些地方选择性的上诱而来达到这样的效果
所以每件作品都是艺术家和自然的一种天然的合作然后整个的过程因为它需要耗费的精力需要耗费的时间包括艺术家所付出的所有的劳动我觉得都让它产出每一件作品的过程像一个母亲在孕育生命的这个过程
那么更神奇的就是 Odendo 创作这些陶器本身的形态,它也借鉴了人体的形状。他曾经说过,他说人就是一个器皿,那陶器其实也是一个身体,所以他创作了很多的形态都很像女性的身体,比如说有臀部,然后有胸部,然后甚至有耳朵,有脖子,有头,然后有鼻子。
每个陶器各不相同,但是你会从它的这个器物的形态当中能够看到一个身体的影子。是的,我其实选择了这位艺术家也是因为我去年看到了他的展览,然后其实相较于前面三位我们提到的艺术家,他算是一个比较 less known 的一个 contemporary artist。
一个不是说在艺术史上有很大影响力的一个当代的一个 established artist 这样子的形象然后我是在伦敦我们之前讲过这一期就是我的那个车
有出问题的那期博客里面我去看安托尼·郭姆里的时候就看到了他的作品当时他是在 Hottenhall 一个英国的庄园里面有了一个个展然后他当时的那个整个展览的设计就是
在非常古典的一个大厅里面高高低低摆放了很多个她的陶瓷当时我看到的时候我的脑海里想到的是黑人女性在这个英式庄园的古堡大厅里面在自如地交谈
然后呢可能是在舞会啊或者什么,就是会有一个这样子的很生动的形象在我的脑海里出现,因为我觉得她本身的陶瓷的这个器皿,其实真的很能看出这个女性身体柔软线条的这个部分,并且她的那个柚的质感就给我很多就是非洲女性那个黑珍珠的那个皮肤,
就非常美的那种黑又光亮的皮肤的质感
我还记得我在准备这期播客的时候有看到关于你去看到那个展览的报道然后他也有提到说就是他选择把陶罐放到高高低低不同的位置其实也会让不同身高的参观者和每个陶罐对视就是因为他每个陶罐都是一个人嘛所以他高高低低的放着就会让他们更像一个一个的身体
哦 是的这好有意思啊因为我当时正仔细看了很久嗯
然后我记得他也有说过就是他会把黏土也视为内在人性的一个象征因为他之前是做 graphic design 出身的就是他其实不是一个陶瓷艺术家他之前做平面设计做了很久然后他后面在黏土中发现了自己可能更能跟这个媒介产生共鸣吧他
更 physical 就是你跟这个媒介其实是无缝的在互动的就是真的是用你自己的身体的部分去塑造它的然后所以它就在塑造泥土的这个过程中就这个黏土它脆弱像我们的躯体一样稍有不慎它这个磁气就可能会颠覆即使你想要竭力地维持平衡
但是在关键的地方哪怕微微失控它都能瞬间崩解但是同时我觉得它作为一个就是类拟人性的那个瓷器在空间里面是很有力量感的而且其实在非洲的大多数地区陶瓷
陶器通常是由女性制作的然后 Odonto 通过他的作品这种对女性身体的形态的女人化的这种象征他其实是承认并强化了这种关联但也同时打破了这个瓷器和器皿跟雕塑之间的这个性别界限
而且他在做这些陶瓷的时候我觉得我非常非常喜欢他的作品的一点也在于他在做这些作品的时候其实有意识地想要融入很多就是在艺术史当中曾经存在过的元素比如说
古希腊古罗马出土的那些陶罐上面的颜色呀包括它的形态然后包括比如说其实代表了各个社会发展的不同阶段最有代表性的那些比如说廊柱啊这种建筑的形态呀
她其实通过学习这些,然后把它内化,然后融入到自己的作品当中,这也是她作品很重要的一个部分,然后这就让我想到了其实作为女性的身体,然后不仅是就是 bare kid,就是怀孕,然后孕育,
生命的这个过程还有就是 bare history 就是我们的身体其实也承载了过往历史很多很多重要的一部分而且是就是它会直接的通过我们的身体它的影响会反映在我们的身体上然后并且通过我们身体一代一代的这样传承下去这是我觉得当我们把它的陶罐想象成一个身体的时候其实
怎么样的力量作用在这个陶罐上怎么样的力量也作用在女性的身体当中然后我觉得这也是就是非常有趣的一个联系是的而且 Odondo 他其实自己也有提到过他特别喜欢器皿的内部空间就这些陶罐的内部空间它作为一个 vessel 作为一个容器
它的内部空间同时用孕育同时也在包容它其实就像所谓家或者说我们所居住的这个空间带给人的感觉一样我就也同时想到其实我们生命里也有很多母性气质的存在然后它们带有的那种属性就是一种抱持滋养一种孕育的状态就可能有的时候一个柔软的家居服
其实也是一个包裹着我们的一个容器一个 vessel 对其实在准备这期播客的时候我们也有想到很多各种各样的女性艺术家
为我们女性系列节目做了一些头脑风暴就比如说我们也会想要单独用一期的节目去讲一讲炎天千春的故事然后包括 Anna Mendieta 然后她怎么把自己和土地联系在一起所谓的母性气质就是她们能够包裹和包容很多不管是她们在自己身上发生的事情也好还是在这个世界上发生的事情也好
其实是把很重要的内容和我觉得是往往是就是非常积极的信息孕育然后传播到未来的某一个时间和空间里去对 是的那么我们在结尾想再次感谢 Co-Orbit 对我们的支持因为其实这一次的选题和
母亲节的这个特辑也给我们带了很多看艺术的不同的角度和灵感
对而且我觉得就是在和 Corbett 的团队聊天的过程当中我真的也很感兴趣他们的一个小故事就是他们提到说这个团队一开始是由 Cici 和她的妈妈一起建立的然后我觉得就是能和妈妈一起做事然后包括像兰刚也有提到他们在通过就是爸爸妈妈和她自己不同的生活方式然后身体形态进行不同的
这种系列的设计就会让人感觉整个这个品牌给我们留下的印象就是又非常 personal 然后又特别特别温柔的这种感觉然后我们也觉得就是说其实这种设计理念包括整个的这种非常温柔和包容的气质也会能够给不管是他们的用户也好还是我们的听众也好像这些艺术家一样带来非常非常深远的印象
是的那么这一期播客我们所聊到的艺术家内容和 CORBET 品牌信息我们也都会放在 show notes 里面美好的事物诞生于缓慢与愉悦之中 CORBET 将视觉的疗愈赋予服装让家具一物更好的陪伴我们去体会万事万物继续前行温柔笃定心有所期听
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